Historia de la fotografía: un viaje de más de doscientos años
¿Podemos resumir la historia de la fotografía de forma clara y concisa?
Es un reto importante pero no imposible.
Comenzaremos diciendo que la historia de la fotografía abarca un lapso de tiempo de más de 250 años.
Esto se debe a que, en la práctica, identificamos su inicio con las primeras formas rudimentarias de impresión de imágenes gracias a la luz del sol sobre el papel, que datan de la primera mitad del siglo XVIII. A partir de ese momento, los intentos y experimentos se suceden con una increíble intensidad y variedad en el curso de las siguientes décadas.
La historia de la fotografía es particular porque está ligada al desarrollo industrial del ser humano y le acompaña en su paso por el mundo hasta llegar al de hoy, globalizado y dominado por una sociedad capitalista y de consumo masivo. La historia de la fotografía se cruza, por tanto, con el progreso tecnológico, con los nuevos modelos económicos emergentes, pero también con los profundos cambios sociales que se producen entre finales del siglo XVIII y principios del XIX. Cambios que conducen a una fuerte reducción de la nobleza, al nacimiento de la burguesía y del proletariado y a la formación progresiva de los modernos estados industrializados tal y como los conocemos hoy en día.
En este proceso imparable, la historia de la fotografía dialoga a menudo con el arte, especialmente con la pintura. Fotografía y pintura han tenido una relación fluctuante de amor y odio. Podríamos decir que se llega a considerar a la fotografía como una verdadera forma de arte, y no como una mera herramienta técnica para reproducir imágenes, al final de un largo viaje y tras un acalorado y feroz debate que involucra, incluso, a artistas famosos (¡y tribunales!).
Como es fácil de imaginar, la fotografía y su disruptiva carga innovadora provocan nuevos hábitos entre las nacientes familias burguesas, frente a las viejas costumbres de la nobleza. Pensemos, por ejemplo, en la antigua moda de encargar retratos pintados a mano de los miembros de familias adineradas y la progresiva sustitución de estos retratos por fotografías, que luego se hacen cada vez más accesibles incluso para las familias menos favorecidas. En definitiva, la historia de la fotografía es rica en experimentos científicos y técnicos al igual que portadora de inventos e innovaciones en la sociedad.
Hemos resumido, de manera práctica, la historia de la fotografía en las siguientes etapas:
1. HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA: ¿LOS ORÍGENES? TODO COMIENZA EN 1791
2. HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA: DE LOS PRIMEROS PASOS AL DAGUERROTIPO
3. JACQUES DAGUERRE Y EL DAGUERROTIPO EN 1839
4. DIFUSIÓN INICIAL Y PRIMER LIBRO FOTOGRÁFICO
5. MEJORAS TÉCNICAS Y DIFUSIÓN MASIVA DE LA FOTOGRAFÍA
6. EL NACIMIENTO DE LA INDUSTRIA FOTOGRÁFICA MODERNA
7. LA FOTOGRAFÍA PORTÁTIL Y LA LLEGADA DE LAS FOTOS EN COLOR
Ahora que hemos rastreado las principales etapas de la historia de la fotografía, ¡comencemos nuestro verdadero viaje!
Historia de la fotografía: ¿los orígenes? todo comienza en 1791
La historia de la fotografía es tan compleja como el proceso que llevó a su invención y ha pasado por muchas etapas. Todo parte del concepto de «impresión»: es decir, el proceso que conduce a la coloración de un soporte material tras la reacción química resultante de la interacción entre uno o varios componentes expuestos al contacto con la luz solar. Este, en pocas palabras, es el principio clave detrás de la invención de la fotografía.
A partir de la primera mitad del siglo XVIII, cuando se descubren los materiales fotosensibles, es decir, los materiales que reaccionaban a la exposición de la luz solar, se inicia un largo período de experimentación ligado a las diferentes formas en que se podían aprovechar. Inicialmente, como con toda nueva intuición tecnológica, se utilizan métodos muy toscos con resultados imperfectos para explotarlos. Imaginémonos una hoja de papel sumergida en un frasco lleno de una sustancia fotosensible que, luego, se expone a la luz solar colocando objetos sobre ella. El resultado es que, al final de la exposición a la luz solar, las zonas de la lámina afectadas por el sol se ennegrecían, mientras que las zonas donde se encontraban los objetos permanecían claras.
Este experimento se remonta al ceramista inglés Thomas Wedgwood (1771-1805), quien experimenta con el uso del nitrato de plata recubriendo el interior de vasijas de cerámica para luego sumergir en él hojas de papel o láminas de cuero, que después expone a la luz del sol tras haber colocado encima objetos. Sin embargo, Wedgwood también descubrió que las «imágenes» impresas, gracias a la reacción química, se deterioraban muy rápidamente cuando se exponían a la luz natural, mientras que, si se colocaban en la oscuridad y se observaban a la luz de una vela o una lámpara de aceite, esto no ocurría. Se cree que este descubrimiento puede situarse históricamente a finales del siglo XVIII, alrededor de 1791.
Esta es, simplificando al máximo, la primera etapa del procedimiento que condujo al nacimiento de la auténtica fotografía. Todo surge del descubrimiento de una reacción química que provocó la coloración de algunas zonas de una lámina en la que intervino la luz solar, mientras que las zonas donde no intervino dicha luz permanecieron inalteradas. Si pensamos que partimos de aquí para llegar después a las fotos en blanco y negro, a las fotos en color y a las polaroids, entenderemos que cuando el hombre da lo mejor de sí mismo es capaz de crear obras técnicas e inventos verdaderamente increíbles y no se desalienta ante las primeras dificultades.
Historia de la fotografía: de los primeros pasos al daguerrotipo
Los primeros experimentos relacionados con el uso de materiales fotosensibles en 1791, aunque con resultados modestos, estimularon especialmente el ingenio humano. Rebobinando la historia de la fotografía y resumiendo los numerosos intentos de maximizar su efectividad llevados a cabo en todo el mundo, podemos decir que muchos comprendieron el gran potencial del medio y que cada uno estaba tratando de encontrar la técnica adecuada para rentabilizar el resultado.
Entre estos hombres ingeniosos, encontramos al inglés Joseph Nicéphore Niépce y al francés Louis Jacques Mandé Daguerre. Estas dos figuras se encontraron y colaboraron en el siglo XIX continuando las intuiciones de Wedgwood y yendo cada vez más allá gracias a la invención de nuevas técnicas y al uso de nuevos materiales. Niépce, intrigado por la invención rudimentaria de la fotografía, trató de encontrar la manera de garantizar que el proceso de impresión condujera a una imagen estable que no se deteriorara con el tiempo.
Inventó, en primera instancia, un procedimiento muy complejo que utilizaba una hoja mojada con cloruro de plata expuesta en un pequeño cuarto oscuro, pero solo obtuvo el negativo de la imagen con las zonas claras impresas y el fondo oscuro. Luego utilizó el betún de Judea como material fotosensible, rociándolo sobre una placa de peltre y dejando que la luz se imprimiera en esta superficie filtrándose por las zonas claras de una incisión que se colocaba entre la placa rociada y la fuente de luz. La luz, que penetraba a través de las partes más finas de la incisión, endurecía el betún que luego se lavaba con aceite de lavanda. Las partes endurecidas permanecían adheridas a la placa, las partes descubiertas se grababan en la placa final y ésta se usaba para imprimir la imagen en una hoja de papel. Un laborioso procedimiento, llamado «heliografía», que acercaba el proceso más a la imprenta tradicional que a la fotografía.
Jacques daguerre y el daguerrotipo en 1839
En 1827, Niépce conoció a Daguerre en París mientras se dirigía a una reunión con su hermano en Londres. Daguerre había oído hablar de los experimentos de Niépce. Era una mente ingeniosa que pertenecía al mundo del arte. Daguerre fue un pintor parisino bastante exitoso conocido, sobre todo, por haber inventado el «diorama»: un teatro que presentaba grandes cuadros y juegos de luces utilizando un cuarto oscuro para garantizar una perspectiva correcta.
Del encuentro entre Niépce y Daguerre nacía una verdadera colaboración comercial que culminó con la estipulación de un contrato de diez años para llevar a cabo sus descubrimientos con un trabajo sinérgico y paralelo, tratando de desarrollar y perfeccionar las tecnologías relacionadas con la impresión sobre materiales fotosensibles. Unos años después de la muerte de Niépce, Daguerre presentaba al mundo su invento: el daguerrotipo. Este consistía en utilizar una placa de cobre a la que se le aplicaba una fina hoja de plata pulida que, colocada sobre vapores de yodo, reaccionaba formando yoduro de plata. Este yoduro de plata, una vez expuesto a la luz en el cuarto oscuro, volvía a ser plateado en relación proporcional a la luz recibida. La imagen no era visible hasta que se exponía a los vapores de mercurio y el resultado final se fijaba mediante un baño en una solución salina.
En 1839, François Arago, un político francés, contactaba con Daguerre, que buscaba fondos para monetizar su descubrimiento, para adquirir la patente del proceso químico. Ese mismo año, el descubrimiento que permitía «pintar con luz» se comunicaba por todo lo alto en el periódico La Gazette de France. El proceso finalmente se hizo público el 19 de agosto de 1839, y François Arago describió la historia y la técnica del daguerrotipo, junto con un informe del pintor Paul Delaroche, quien magnificó los minuciosos detalles de la imagen y afirmó que los artistas y grabadores no estaban amenazados por la fotografía, sino que, de hecho, podrían usar este nuevo medio para estudiar y analizar vistas.
Daguerre publicó más tarde un manual que dio la vuelta al mundo, titulado Historique et description des procédés du daguerréotype et du diorama, que contenía el proceso de la heliografía de Niépce y de la daguerrotipia. Además, patentó su descubrimiento en Inglaterra, cobrando, así, por su uso. También inició la producción y venta de los «cuartos oscuros», construidos en madera y equipados con lentes con una distancia focal de 40,6 cm y una luminosidad de f/16, vendidos por 400 francos.
A partir de ese momento, su invento y su técnica se extendieron progresivamente por todo el mundo y eso fomentó los experimentos y que continuaran las tentativas de mejora.
Difusión inicial y primer libro fotográfico
Con la difusión del daguerrotipo y el avance de la técnica, las demostraciones al público del proceso que condujo a las primeras «fotografías» comenzaron a ser cada vez más generalizadas. La audiencia quedó profundamente impresionada con los resultados: era increíble imaginar que fuera posible aprovechar el poder de la luz para transmitir una imagen con tantos detalles a un material.
Como peculiaridad: inicialmente, el tiempo de exposición necesario para impresionar el material era de al menos 8 minutos. Mucho tiempo, que podría estar bien para paisajes, pero para retratar a una persona era realmente pesado dado que tenía que permanecer con la misma pose lo más quieta posible y luego, en la fotografía, salía tan estática como antinatural y, a menudo, con los ojos cerrados. Este problema inicial se solucionó cuando el tiempo de exposición se redujo drásticamente a tan solo 30 segundos, después de que se produjeran cámaras oscuras con objetivos con una luminosidad de f/3,6 y con placas de daguerrotipo con mayor sensibilidad gracias al uso de vapores de bromo y cloro. Además, la hoja de plata se reforzó con el uso de cloruro de oro.
Por lo tanto, la técnica continuó mejorando hasta 1841, año en el que William Fox Talbot introduce el «calotipo». El calotipo introduce el concepto de revelado de imágenes a través de un «negativo» fotográfico. Con el calotipo la exposición dura solo unos instantes, será después, a partir del negativo impreso, a través de un proceso químico adicional, que se revelará propiamente la verdadera fotografía. El papel impreso se sumergía así en una solución compuesta por nitrato de plata y ácido gálico, que actuaba como revelador y permitía que se formara la imagen.
Talbot solicitó y obtuvo la patente de esta nueva tecnología en Inglaterra para sacar provecho de ella siguiendo el ejemplo de Daguerre. En el lapso de tiempo de 1844 a 1846, Talbot, además, publicó y difundió lo que puede considerarse el primer libro de fotografía, llamado El lápiz de la naturaleza, con 24 calotipos impresos en su interior.
Mejoras técnicas y difusión masiva de la fotografía
La fotografía, gracias a las continuas mejoras del proceso en distintos rincones del mundo, continuó su difusión y, de hecho, hubo un auge de laboratorios fotográficos que crecieron como setas por todo el mundo. En América, la fotografía alcanzó un gran éxito y ya en 1850 solo la ciudad de Nueva York contaba con más de 80 laboratorios. En Estados Unidos, las placas de plata se producían utilizando máquinas de vapor y tratamiento electrolítico, lo que aumentaba la cantidad de plata en la placa.
Este auge en la difusión de la fotografía la llevó rápidamente a entrar en contacto con todas las clases sociales, no solo con las más adineradas. El daguerrotipo y el calotipo eran los dos métodos más populares de esa época. El primero era considerado de mayor calidad porque producía una única copia y esto lo hacía más «preciado» a los ojos de los compradores. Además, no adolecía de los defectos de reproducción de la imagen que aún eran evidentes en la impresión del calotipo sobre papel.
En América, se adoptó una nueva mejora tecnológica: la adopción del procedimiento basado en el colodión. Este suplantó rápidamente a todos los demás, ya que logró mejorar significativamente la calidad del proceso fotográfico. Utilizando colodión y placas de vidrio o metal, se obtuvieron negativos de excelente calidad, impresos sobre las novedosas placas a la albúmina o al carbón.
Las placas de colodión debían exponerse mientras aún estaban húmedas y revelarse inmediatamente después, lo que permitía revelar la imagen y entregársela en ese mismo momento al cliente. De la intuición de que, a partir de un negativo de colodión subexpuesto, era posible obtener un positivo aplicando una superficie oscura en el reverso, nacieron dos técnicas diferentes: la ambrotipia, que utilizaba una placa de vidrio, y la ferrotipia, que utilizaba una superficie metálica.
El nacimiento de la industria fotográfica moderna
La imparable expansión de la fotografía provocó una continua y creciente demanda de materiales, herramientas, componentes y fotografías. En poco tiempo nacieron fábricas y laboratorios especializados. Pensemos en la producción de papel albuminado: ¡solo en la fábrica de Dresde, se usaron en torno a 60 000 huevos al día para producirlo! Los laboratorios fotográficos adoptaron rápidamente los rasgos organizativos de las cadenas de montaje, donde cada tarea se asignaba a una sola persona.
Una persona preparaba las placas, que luego eran llevadas al fotógrafo para su exposición y, después, entregadas a otro colaborador para su revelado. Finalmente, las placas quedaban listas para su fijación definitiva en una sala especial. Luego estaba el personal formado para mostrar a los clientes las mejores poses para cuando iban a tomarse fotos, con consejos para que la persona fotografiada luciese lo mejor posible.
El álbum de fotos familiar cada vez se difundía más e, igualmente, la fotografía paisajística también estaba teniendo cada vez más éxito, vendiéndose postales con personajes ilustres, monumentos, paisajes naturales, vistas, barrios o edificios a los turistas que iban de visita. También en este caso comenzaban a surgir los primeros sistemas de producción «en masa» de postales y fotografías impresas.
El sector óptico también tuvo un fuerte impulso en la producción en masa y en el nacimiento de futuros gigantes industriales para hacer fotografías: la producción de lentes y equipos fotográficos se convirtieron en un negocio y se produjo el desarrollo de importantes empresas como Kodak, Leica, Ilford y Voigtländer. En la segunda mitad del siglo XIX, gracias también a la producción industrial, la era de la fotografía analógica masiva comenzó a dar sus primeros pasos.
La fotografía portátil y la llegada de las fotos en color
La fotografía se convierte progresivamente en un «documento» con su amplia difusión.
Se vuelve inseparable de periodistas y aventureros que recorren el mundo trayendo consigo fotos de todas partes y entra de lleno como prueba de la realidad en los diarios impresos de todo el mundo.
Paralelamente a su difusión, las herramientas para sacar fotografías y su revelado también se perfeccionan, haciéndose más pequeñas y manejables, en beneficio de periodistas, cronistas y reporteros que pueden así captar momentos cada vez más importantes y estar en el centro de la acción.
Solo había que tratar un pormenor más para que la fotografía pudiese inmortalizar la realidad con todo lujo de detalles: el color. Para hacerlas cada vez más parecidas a la vida, los fotógrafos, al principio, comenzaron coloreándolas, usando pigmentos de anilina para mezclar y colorear algunas áreas de las fotografías. Sin embargo, la adopción del color en las imágenes es el resultado de un proceso laborioso, que se inició en 1859 con los experimentos de James Clerk Maxwell, quien descubrió que es posible obtener la coloración de la foto gracias a un procedimiento denominado «mezcla aditiva». Clerk descubrió que era posible obtener color superponiendo la luz roja, verde y azul de los colores primarios.
Esta idea se llevó a cabo y se perfeccionó dando lugar al descubrimiento del método sustractivo hasta que, en 1935, nació la película fotográfica Kodachrome, que utilizaba el método sustractivo insertando en la película tres capas sensibles diferentes, usando filtros de colores, en rojo, en azul y en verde. De aquí, tras solo unos pocos pasos, se llega a la película Kodacolor de 1941, que permitirá finalmente obtener el revelado casero de negativos en color.
La controversia entre la pintura y la fotografía como forma de arte
La relación entre fotografía y pintura merece un estudio aparte.
La relación siempre ha sido particular, con inevitables confluencias, pero con marcadas diferencias que han llevado a pintores y artistas a acercarse y a alejarse haciendo largo y arduo el proceso que condujo al reconocimiento de la fotografía como una verdadera y propia forma de arte autónoma.
Las postales y todas las fotografías impresas en pequeño formato y distribuidas progresivamente no siempre tenían una excelente calidad, sino todo lo contrario. Dependía mucho del cuidado y de la técnica utilizada que, como hemos visto, variaba con el uso de diferentes materiales y procedimientos, incluso en el mismo espacio de tiempo.
Las fotografías, para un artista o un ojo particularmente sensible al aspecto estético, podían resultar impersonales y frías en comparación con los retratos pintados a mano que habían hecho furor en los siglos anteriores. Por ello, algunos pintores, intrigados por la fotografía, se acercaron y comenzaron a interpretarla de una forma más creativa. Imaginémonos laboratorios donde los fotógrafos prestaran atención a crear la escenografía adecuada tras la persona fotografiada, o indicasen poses atrevidas, o ropa y accesorios para que la persona fotografiada se presentase de cierta manera en la fotografía final.
Imaginémonos también que estos fotógrafos de raíces artísticas, que venían de la pintura, la escultura o el teatro, aprendiesen a jugar con primeros planos y con una iluminación perfectamente diseñada para mejorar el efecto final de la fotografía. Entre estos artistas, que intentaron interpretar la fotografía según las técnicas de las grandes artes, destaca Nadar, un parisino imaginativo y de fuerte personalidad que también es conocido por realizar la primera fotografía aérea de la historia, a bordo de un globo equipado con una cámara, en 1858. Además de él, también recordamos a Etienne Carjat.
Ante el objetivo de estos dos personajes, desfilaron ilustres artistas como Charles Baudelaire, Gustave Courbet y Victor Hugo, de los que tenemos, gracias a ellos, retratos fotográficos que se remontan a esa época.
Fotografía artística: las primeras postproducciones y la aproximación artística a la foto
Gracias a la adopción de la fotografía por parte de los artistas, comenzaron los experimentos para acercar la fotografía a la pintura con efectos gráficos particulares. De hecho, en un principio, no era tanto la pintura la que debía seguir a la fotografía, sino todo lo contrario. La fotografía, en ese momento, carecía de toda esa interpretación manual y artesanal que caracterizaba a las pinturas realizadas con sombras, pinceladas y elecciones cromáticas adecuadas. Precisamente por eso se introdujeron técnicas como la doble exposición y el fotomontaje. En algunos casos se utilizaron treinta negativos diferentes en una misma imagen o dos negativos, pero expuestos en momentos diferentes, para componer una sola imagen, que representaba el cielo y la tierra objeto de la toma con un efecto particular.
Si, por un lado, tenemos la fotografía que intenta imitar a la pintura con técnicas imaginativas, por otro lado, tenemos la pintura que comienza a explotar las cualidades fotográficas como la precisión en los detalles. Por ejemplo, un pintor como Eugène Delacroix, se sabe que fotografió a personas para, así, mostrar en sus cuadros la gestualidad de los personajes de la época incluyendo hasta el más mínimo detalle.
A partir de la segunda mitad del siglo XIX y, en virtud de la representación final que se hizo a semejanza de las pinturas, la fotografía «pictórica» comienza a labrarse cierta fama y a ser considerada por algunos artistas como una forma de arte autónomo. Sin embargo, esta tendencia se detuvo abruptamente a partir de principios del siglo XX. Se comenzó a abandonar la fotografía pictórica definitivamente, desligándose con decisión de la pintura, para ganarse un papel totalmente independiente como forma artística con sus propias peculiaridades.
El nuevo rumbo tendía a adoptar la fotografía como algo puro, directo, como un medio estético por sí mismo sin necesidad de retoque alguno. En EE. UU., a principios del siglo XX, nacía el movimiento Straight Photography, que invitaba a la gente a salir a la calle y a captar la realidad de las ciudades en continua evolución, fotografiando a gente común, trabajos, edificios, barrios populares, paisajes urbanos, acercándose mucho a la forma pura o repetida, abstracta, propia de la estética del cubismo y de los movimientos derivados del mismo.
Varias técnicas fotográficas fueron reinterpretadas y en ocasiones reinventadas para producir imágenes que tenían vida propia y proporcionaban efectos a años luz de las pinceladas, en busca de una identidad única, abstracta e independiente. La investigación abstracta conduce a la adopción de técnicas como el fotomontaje o el collage, utilizadas por los dadaístas. La máxima expresión de esta tendencia se encuentra en las obras de artistas como Man Ray, El Lissitky, Aleksandr Rodchenko, Paul Citroen.
La aceptación definitiva de la fotografía como forma de arte independiente y reconocida
Para ver la fotografía consagrada como una forma de arte independiente frente a la pintura y considerada de igual peso y dignidad, tenemos que remontarnos a hace casi 100 años, pasando por una disputa legal muy famosa, nacida en un tribunal francés. De una manera curiosa, el juicio de Mayer y Pierson marcó un momento histórico muy importante para la fotografía. Dichos fotógrafos llevaron a juicio a otros dos fotógrafos en 1861 acusándolos de haber reproducido indebidamente para un uso comercial algunas de sus fotografías en las que retrataban al Conde de Cavour y a Lord Palmerston. Vender imágenes de personajes famosos, a menudo, permitía a los fotógrafos obtener grandes ganancias y, por ello, las disputas entre fotógrafos eran feroces. Ya en ese momento se consideraba el tema de la «protección de los derechos de autor».
La disputa, que también afectó a la fotografía como forma de arte, surge precisamente de los derechos de autor. Los dos fotógrafos optaron por apelar ante los tribunales con respecto a las leyes de derechos de autor de 1793 y 1810, que en ese momento solo se aplicaban a las artes tradicionalmente reconocidas como tales. Y la fotografía, por desgracia, aún no estaba reconocida oficialmente como arte
Por lo tanto, para obtener la protección legal de los derechos de autor, primero era necesario demostrar que la fotografía era en todos los aspectos una auténtica forma de arte. El proceso judicial finalizó con la sentencia judicial de 1962 que declaró que la fotografía era en todos los aspectos una forma de arte y que, por ello, merecía la protección legal de los derechos de autor.
A pesar de este estatus legal, en los círculos intelectuales costó aceptar la fotografía como una verdadera forma de arte independiente. La conclusión real de este laborioso proceso fue el resultado de un crescendo histórico, gracias al cual la fotografía fue considerada progresivamente como una forma de arte con derecho propio entrando de lleno en las exposiciones de arte moderno y contemporáneo a lo largo del siglo XX.
